Diplomada con Matrícula de Honor en Artes y Diseño en la Especialidad de Diseño de Joyería Artística por La Escuela Taller de Artes y Diseño de la Diputación de Tarragona, España.
Matrícula de Honor. Proyecto Fin de Carrera por La Excelentísima Escuela Llotja. Barcelona, España (1996-2001).
Proyecto Fin de Carrera -CHILLIDA- Matrícula de Honor.
Premios FAD.
Retratos
Proyectos
“The Memory II” editado en Fahrenheit Magazine.
“La Gordi de las Galaxias”.
“Espido” (Espido Freire Emasefe).
“A.B.” para The Metropolitan-Detroit.
¿Cómo se define a sí misma Mar Sánchez Mena como persona?
Soy una persona que ha vuelto a nacer.
Cada uno tiene un camino marcado en su vida, (normalmente lo desoímos y nos apartamos de él)
Yo tuve la suerte de volver a él.
Sobreviví al cáncer hace tres años, va a hacer.
Hay muchas cosas que han cambiado y otras siguen estando ahí.
Soy una persona que cree en lo que hace. Intento escuchar y observar lo que me rodea para ser consciente de hacia donde me dirijo y que hago con mi vida y mis decisiones.
Soy impulsiva y serena a la vez. Contradictorio pero real.
Me gusta liberar mis emociones y observarlas para comprender ante qué reacciono y para qué lo hago. Qué tiene que ver conmigo «el hecho reactivo», sin juicios. Observando y aprendiendo.
Me gusta sentirme libre, me gusta la soledad creativa. Soy bohemia.
Me encanta hacer lo que quiero, cuando quiero, y escuchar en silencio ese momento vacío y lleno de vida.
Me gusta estar presente.
Tengo altibajos. No siempre soy constante. Tengo arranques y desarrollo en poco tiempo, sintetizando al máximo la expresión y los conceptos (el trabajo subyace como una acción constante, el arranque es el borbotón que acciona la gestación de los proyectos o materialización de las ideas)
Me gusta analizarlo todo y liberarlo, dejándolo fluir hasta que me atrape.
Juego con la inspiración al escondite.
A veces, en las temporadas de mayor equilibrio, disfruto del trabajo plenamente consciente. Firme y presente.
Siento paz y sosiego. No siento «la angustia creativa» (la de los arranques) Todo es más sencillo y a mi pesar…más completo.
De alguna manera, amo la anarquía entre la razón y los sentidos.
Soy distante con el exterior, me gusta observar y proyectar mi esencia. Filtro los impactos exteriores.
Soy directa y empática en el trato con las personas. Segura y leal pero reservada con mis relaciones personales.
Me encanta conectar con los demás y que sepan que estoy ahí pero no me ato a nadie. No establezco vínculos fuertes aunque sí intensos y certeros.
……
“ESPIDO”-Participación en los Premios de Pintura BMW 2015.
¿Y cómo artista?
Al hilo de la anterior pregunta. Me considero una artista que cree, vive y respira en la acción de crear ante todo.
Aunque la premisa sea un concepto, una expresión o la búsqueda de la estética.
En la acción de crear hay un componente que es el catalizador de cualquier proceso vital. Liberar la mente para dotar del espacio suficiente que habilite el espacio donde proyectar una síntesis de estímulos intelectuales, vitales, analíticos, emocionales, etcétera.
Me especialicé en Diseño de Joyería y el proceso creativo es el mismo para cualquier disciplina o área que toco.
Me considero una artista multidisciplinar. Aunque en mi fuero interno soy pintora.
Creo instalaciones artísticas. He hecho performance. Y me gusta el arte conceptual. Soy analítica y creativa.
En un acto como es el de pintar, por ejemplo, busco las coordenadas básicas que me sugiere la estética. Y sin parar en el proceso de creación, «agarro el timón en la tormenta» equilibrando el análisis, la forma, la composición, el color, la luz…
Es un proceso muy potente, intenso, puramente vital. Frenético. Pero puramente consciente, también.
Es ir a 200 por hora con todas las capacidades cognitivas al 200%.
Libero energía.
El momento creativo me conecta con mis impulsos y mi parte analítica. Es «un polvo salvaje entre dos fuerzas que se respetan, se desean y se aman» Es follarse a la vida y a uno mismo.
Cuando trato «con la palabra» para exponer un proyecto, instalación artística u acción soy mucho más barroca en el lenguaje.
Me gusta crear imágenes gráficas e hipérboles que magnifiquen el lenguaje y el pensamiento.
Elaboro «espejos o proyecciones» a partir del mito, la filosofía y los arquetipos. Para cruzarlos, o más bien, encararlos con la negación y liberando creencias y axiomas.
Pudiendo llegar, de esa manera, a nuevos paradigmas.
No creo en nada y eso me ayuda a crear sin límites.
Soy libre pensadora (sabiendo que estoy totalmente contaminada y que el proceso es el de desaprender).
“LA RAMA” – Premio FAD de Joyería Artística – ENJOÏA´T, Barcelona.
¿Qué conserva tu obra artística de tu faceta como orfebre y diseñadora de joyería, si es que existe relación?
En la actualidad mi faceta como diseñadora de joyería y orfebre está en segundo plano.
El último proyecto que realicé fue durante la quimioterapia, en 2013 (Aram avec Perles©).
Me ayudó a proyectar un hilo conductor hacia la sanación y dirigir mi vida por completo hacia el arte con todas las consecuencias.
Me especialicé como Diseñadora de Joyería pero durante los cinco años que duró la especialización le dedicaba el mismo tiempo a la pintura. De hecho me consideraba pintora.
La especialización fue la excusa ante el miedo del futuro como artista plástica.
Era aparentemente caótica.
La única alumna de la clase que no presentaba esbozos ni proyectos. Ningún tipo de esquema. Algo que no estaba contemplado ni permitido, pero me tenían como «un caso aparte», me dejaban hacer…
Diseñaba la pieza desde el impulso, la creatividad y el análisis en tiempo real.
Investigaba mental y materialmente todas las posibilidades.
Técnicamente realizaba piezas imposibles porque no existían herramientas que las pudiesen materializar.
Creaba las herramientas para conseguir la pieza, el punto de torsión, la temperatura, el color…
En la pintura planteo el terreno con más coordenadas aunque «a priori» la orfebrería sugiera más tecnicismos.
La pintura me pide más contemplación y rigor. Distancia. Análisis.
Se sigue dando el «automatismo» y «el desarrollo creativo sin pausa» pero hay una mirada más distante en la búsqueda o la finalidad de la obra que ayuda a mantener la conversación abierta, y a negociar, entre acto y acto.
“MARQUÉS DE CERRALBO” – Retrato para el Museo Cerralbo.
«Esencia», «memoria» y «comunicación humana» en tu obra. ¿Es una forma de analizarte a ti misma y al mundo que te rodea?
Me gusta mucho esta pregunta. Sí.
Busco la esencia. Busco desmaterializar cualquier proceso creativo. Diseccionarlo.
En realidad quiero llegar a no buscar nada. En la tensión de dejar que sea.
A veces no lo consigo. A veces hago lo que me gusta.
Disfrutando y creando mediante el acto repetitivo de perfeccionar la técnica, la búsqueda de la estética, el concepto…
Pero en realidad cuando sé «interiormente» que una obra es buena, es cuando «la he dejado no ser, cuando la he sometido”.
La constante siempre es “el equilibrio en marcha» entre el análisis y la creatividad.
Más que analizarme a mí misma busco liberarme.
Analizo el proceso participando de él como «observadora» («haciéndolo-ejecutándolo», creo y observo a la vez. Es como si lo hiciera otra persona. Puedo verlo, estar ahí).
Es más analítico y vital que humano.
En los retratos, por ejemplo, busco la captación sicológica al extremo. No busco comunicar un sentimiento o evocar.
Muestro el punto que estriba entre los opuestos. Entre la expresión y la razón.
Están cargados de fuerza, fuerza contenida. Miradas que traspasan el lienzo para penetrar en el espectador.
Están totalmente vivas pero no preguntan nada.
Incoan y finalizan «in situ».
Son potentes.
En el ámbito de las obras más conceptuales sí mantengo el diálogo con el exterior. Amplifico la experiencia con «los espejos cotidianos». Busco a través de la comparación y la polaridad. No siempre para llegar a la negación.
Negocio más. Interactúo con todos los elementos que tengo a mi alcance (conceptos, arquetipos, mitos, sicología, introspección, crítica, humanidad) para llegar a generar una obra que conecte de fuera hacia adentro.
“THE MEMORY I” – Parte de la serie «Anthropomorphe”, publicada en Farenheit Magazine.
Técnica mixta con arte digital. ¿Por qué motivo? ¿Cómo surgió esta mezcla de tradición y tecnología vanguardista?
Soy creativa y me gusta experimentar con lenguajes rápidos que me permitan expresar una síntesis de procesos creativos en poco tiempo.
El arte digital es «el filtro o la herramienta» que me permite cambiar «la tonalidad del lenguaje y la expresión de la obra».
Nada tiene que ver un proceso con otro.
La pintura es mucho más pura, más evolutiva. La técnica que ofrece la tecnología digital es mera investigación tras la estética en términos de composición.
Como lenguaje para expresar términos conceptuales funciona perfectamente porque es mucho más directo y sintético que la pintura «per se».
Me gusta aunar ambos procesos porque generan la distancia suficiente entre la belleza (estética) y el tratamiento formal.
El arte digital es el medio artístico que está a caballo entre la fotografía y la pintura.
Me gusta tener la oportunidad de crear una obra figurativa o una obra abstracta, y a posteriori tratarla como «una imagen pura y dura», no buscando transcenderla sino todo lo contrario, deshumanizarla, enfriarla, equilibrarla hasta crear la distancia suficiente para que resulte ajena y lejana.
El arte digital es la pátina que estriba entre la poesía y la pornografía estético-visual.
«Cantan las piedras», 1997. Colaboración con Rufino Mesa.
«Piedra seca», 2002. Colaboración con Rufino Mesa.
“El Milagro”, Colaboración con Abel Azcona. Galería The Grey Square.
Te vemos continuamente colaborando con otros artistas como en El Milagro o Piedra Seca, lo que nos habla de tu carácter abierto. ¿Qué buscas en estos encuentros, cuáles te han marcado más y por qué?
Me gusta participar en los proyectos de otros artistas. Soy receptiva en ese aspecto. Siento que me enriquece.
No funciono como una oficiante o un ente, estoy presente y eso hace que me sienta identificada y activa.
En mi sitio, dentro de la situación.
En el caso de la participación en la obra de Rufino Mesa todo empezó cuando yo estudiaba en la Escuela de Artes y Diseño de Tarragona. Él era mi profesor de Modelado. Éramos afines y compartimos muchos proyectos.
Era un referente para mí en muchos sentidos. Una persona con un conocimiento sobre el arte y la cultura que marcó mi vida sin ninguna duda. Él me indicaba a través de la literatura artística, exposiciones y relaciones con otros artistas cómo intrincarme y crecer en el mundo del arte.
Yo por mi parte era un remolino. Nada miedosa y muy dada a experimentar y a liberar el desconocimiento del que partía para conformar una identidad…Estaba en pleno proceso de aprendizaje.
Todo comenzó con Cantan las Piedras en 1997.
Él como escultor buscaba crear una piel de piedra.
Yo era, como tal, la piedra original.
Hierática. Incólume. Inerte pero en estado latente (en esos momentos de mi vida me sentía así… transitaba la vida con “piel de piedra”).
La acción se desarrollaba en emplazamientos rurales o desiertos como Los Monegros en Zaragoza.
Yo era el eje donde él iba circundando y creando la escultura.
“La piel de la piedra primera”.
Cantan las Piedras es el sonido primero, el primer y oculto sentir…
Aquello que se nos oculta de manera ancestral y que habita en el ser más inhóspito de la tierra.
La piedra…
Una expresión en apariencia dura de la vida…
Pero, interiormente, sagrada y bendita.
A esta primera acción, se sumaron:
La Pell de Pedra en el 2000 y Piedra Seca en 2002.
Por último, esta serie de acciones que rondaron los cinco años concluyeron con dos exposiciones:
Las Piedras cantan-Palabra oscura en El Museo de Arte e Historia de Reus (Tarragona, España), 2002; y Palabra oscura-Necrolitos en La Universidad de Barcelona (España), 2011.
En el caso de Abel Azcona, la propuesta fue de un día para otro a través de la galería The Grey Square en Tarragona.
Sinceramente, tal y como le dije a Abel: “Siento no conocerte hasta ayer tarde”.
Cuando me llamaron (Antonio Luque) de The Grey Square pregunté acerca de la performance. De su contenido y significado.
Participo desde la coherencia y la empatía.
Si hubiese sido una obra en la que no me hubiese sentido cómoda o afín, no hubiera colaborado. En este caso, sí colaboré, y conocí personalmente a Abel Azcona.
Tras conocer el trasfondo de la obra para valorar mi colaboración, recabé información sobre la trayectoria del artista y fue ahí donde comprendí la envergadura de la colaboración y la magistral trayectoria del artista.
Fue una experiencia evocadora, intensa y liberadora.
En ella realizábamos un acto litúrgico desde la catarsis personal.
Trazando un eje errático que dirigía la acción desde la galería The Grey Square hacia el mar (Playa del Milagro).
En un éxodo silencioso, introspectivo y hermanado. Para terminar su discurso en una toma de consciencia, personificando el pasado y la posterior purificación del proyecto futuro.
Conformando, El Milagro.
La acción sucedió el miércoles y la exposición tuvo lugar el viernes 16 de Octubre de 2015 en la galería The Grey Square, comisariada por Antonio Luque.
El fin de semana retomamos el discurso artístico, nuevamente, para iniciar otra colaboración con Abel Azcona.
Esta vez se trataba de la obra: DES-ENTERRADOS.
Obra en la que he tenido el honor de participar, nuevamente, junto a una decena de artistas del Camp de Tarragona tras la performance y exposición El Miracle durante el periplo del artista en Tarragona.
Esta vez en las inmediaciones de Corbera D´Ebre, municipio situado en la comarca de la Terra Alta, limítrofe con La Ribera d´Ebre.
Siendo exactamente la parte vieja de la población (Poble Vell) la que quedó destruida durante la Guerra Civil con ocasión de la batalla del Ebro y siendo rehabilitada en fecha reciente.
«El pueblo viejo» fue destruido tanto por bombardeos, aviación italiana, como por la Legión Cóndor. Esto comportó la reconstrucción de éste en la parte baja del cerro en dónde podemos encontrar el centro de interpretación 115 días, informando sobre la batalla del Ebro.
El paraje posee las propias connotaciones y está íntimamente ligado al discurso artístico de la Guerra Civil Española sugerentes para que Azcona se decidiera a implementar la muestra del devastador impacto de los sucesos allí acontecidos y ser parte del escenario representativo y artístico que formará parte del mosaico de la obra:
DES-ENTERRADOS.
Del cual componemos un segmento del total de la obra los artistas que participamos el pasado domingo 18 de Octubre de 2015 en Tarragona.
El 20 de Noviembre se presentó la obra Enterrados de Abel Azcona, en la Sala Conde de Rodezno (Monumento a los Caídos) de Pamplona.
Realizada con hijos y nietos de fusilados, asesinados y desaparecidos en torno a la Guerra Civil y la dictadura siendo el detonante para volver a su ciudad de origen esta vez con DES-ENTERRADOS.
Una gran muestra, de carácter político y subversivo, comisariada por Marisol Salanova.
Estás inmersa en «Mi querida Gorda de las Galaxias». ¿Qué hay de Mar en ese proyecto?
Se trata de un emotivo y precioso proyecto que me transporta a la infancia.
Aún sin fecha exacta por todo lo que tengo por cerrar… (pero ya en órbita).
Se trata de la realización de un macro-retrato de Mi querida “Gorda de las Galaxias” de Nicolás Martínez Cerezo[1].
Personaje de cómic que leía y releía en la infancia, el cual me transportaba a la esfera de lo ilimitado.
La Gordi era y es poderosa (rogamos que vuelva!).
Heroica, maternal y fecunda como «la antimateria» (la Gordi todo lo abarca, en todo «se halla”…).
Su prolongación es infinita. Como el esencial inconsciente que desprende y alimenta.
El horror vacui de las ilustraciones, potenciaba más ese efecto «ondulatorio y vibracional» del color, el movimiento y aquel logrado efecto de «ingravidez».
Tal y como en su día hablé, con mi querido Nicolás Cerezo:
“Será emocionante y todo un honor como artista y niña eterna, retratar «a mi Gordi» al más puro estilo Willem de Kooning”.
“La que no tiene nombre” – Castillo de Santa Catalina, Cádiz.
Me llama especialmente la atención La que no Tiene Nombre. ¿Puedes explicarme cómo fue la primera estancia en Cádiz y en qué va a consistir la segunda?
La que no tiene Nombre es la búsqueda de la partitura entre el arte flamenco y la pintura.
Cuando me recuperé de los tratamientos para el cáncer fui a Cádiz dos semanas a “pasear”. A mediados de Septiembre del 2014.
A encontrarme conmigo misma.
¿Por qué Cádiz? No lo sé. Nunca lo sabré. Aunque lo intuya.
Así es “La que no tiene nombre”.
Es la intención.
El primer paso. El aliento lleno de vida.
A través de ese viaje conocí a Carmen Montes Gómez, Secretaria del Patronato y Gerente de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz, en el Castillo de Santa Catalina.
Un día antes de volver a casa le presente mi por entonces “joven proyecto”. Dos meses después me confirmaban desde Cádiz la concesión del espacio.
Un estudio en El Castillo de Santa Catalina que se extendería durante 3 meses de producción y exposición en 2015.
Durante aquel tiempo conocí a los mejores artistas flamencos de Cádiz.
La primera impresión del proyecto fue retratar “su arte”, no a ellos directamente.
Buscaba “lo que no se nombra, ni se ve a simple vista…”.
Trabajé “in situ” con ellos, durante ensayos y conciertos en El Gran Teatro Falla de Cádiz.
Actualmente, el proyecto sigue “abierto” y se me ha vuelto a conceder el estudio en El Castillo de Santa Catalina para proseguir con la producción de la obra. Exponiéndola en La Sala del Pópulo de Cádiz una vez finalice mi estancia en Santa Catalina.
Mar Sánchez es una mujer que se ha construido a sí misma como artista y como persona. Una mujer que ha superado los reveses de la vida desaprendiendo y aprendiendo a seguir el camino que le dicta su interior a través de la felicidad del momento y el placer del proceso artístico multidisciplinar. Pero, ¿qué le queda a Mar por experimentar en el arte?
Domarme.
Aprender a disfrutar de la evolución de la obra, no del resultado.
Desapegarme del resultado para valorar el don que supone abstraerse y sentirse libre, formando parte de un acto único, la creación consciente y plena.
Últimamente, he estado aprendiendo de la frustración, de no ser valorada. Y es sin duda, una gran herramienta para hacer lo que me da la gana.
Lo peor que le puede pasar a un artista o a una persona, porque al fin y al cabo es lo que somos. Es que su obra se vea supeditada a la aceptación de los demás. Y a su posicionamiento, en última instancia.
Tenemos la gran suerte de poder hacer lo que queramos y hacer uso de los mejores museos que hoy en día son las redes sociales. Sin condicionantes y sin formar parte de ningún experimento de masas pensantes y desfasadas.
No se trata de que llegue a miles. Se trata de que la experiencia final se vea satisfecha en el acto de comunicar “un estado o creación” al resto de los mortales. Sin que el hecho comporte un sinsabor a la hora de ser alguien reconocido.
“Yo no soy reconocida. Yo soy única, y realizo mi obra desde mi autenticidad”.
¿De que me serviría ser un referente si no se quién soy?
La frustración desaparece cuando uno/a deja de correr tras las etiquetas que van desde la originalidad, la intelectualidad, la política o las aburridas corrientes “refritas” del actual, malogrado arte contemporáneo.
Si no siendo una entelequia:
“Soy una persona y el exterior no condiciona mi voluntad como artista. No siendo la finalidad, el convertirme en “artista”, mi condición como persona (más bien como ser humano) me confiere formar parte del campo ilimitado de posibilidades de expresar mi verdadera naturaleza a través del arte, entre otras miles de posibilidades de crecimiento y experimentación”.
El panorama artístico está saturado de razón, de tecnicismos, de pedante conocimiento, vacuo e insulso.
El arte, se quiera o no, ha tenido que ver siempre con la belleza, la estética y el goce natural de la creación.
Solo hace falta observar la naturaleza para sucumbir ante ella.
La ridiculización del arte contemporáneo. La pornografía como efecto reactivo o subversivo, o la intelectualidad para «sobredotar» de contenido y desnaturalizar lo que de por si es, ya ha pasado.
Es historia.
Volvemos al inicio.
Lo necesitamos. Somos humanos y cíclicos.
Queremos crear y formar parte de la alegría de vivir. “Ser pensados por teorías filosóficas, sociales o políticas, está demasiado cerca de la muerte de los verdadero sentidos”. Y no me refiero a los sentidos que agudizan la experiencia material, si no a los sentidos ancestrales.
Al inconsciente colectivo. A las analogías. Al sentido perdido, ese que asoma cuando ya casi es demasiado tarde como para pensar y más bien actuar.
Vivimos en una época en la que la media de vida de una obra o imagen es de segundos. Con una carga de conceptos que raya lo absurdo, lo antinatural.
Estamos intoxicados por exceso de información.
La mente necesita un respiro.
Necesita oxigenarse. Vaciarse. Mirar como “la primera vez”.
Ese es mi camino hoy… El de desaprender para formar parte conscientemente de la experiencia de estar viva y saber que nada de lo que haga me salvara del gran día.
Es liberador ir desprendiéndose para ir desnudando la verdad que atesoramos.
Entrevistada: Mar Sánchez Mena.
Entrevistador: Ricardo Ortega Olmedo
[1] Nicolas Martinez Cerezo es un autor del mundo Bruguera que con la realización de la serie La Gorda de las Galaxias intentó dar un paso más allá. Como él mismo comenta, en sus historietas intenta recuperar el surrealismo que Mihura, Jardiel o Tono practicaban en la revista satírica La Codorniz. Autor completo que realizaba el guión, dibujo, color y rotulación de sus historietas. Navegó con su particular visión del arte pop y aportó una visión estética del cómic completamente diferente a la habitual en Bruguera. Las aventuras de La Gorda de las Galaxias, tras el cierre de Bruguera, pasaron a formar parte de las publicaciones de Ediciones B en 1987, finalizando su singladura al año siguiente. (Fuente: Humoristán, Museo Digital del Humor Gráfico).
Entrevista a Mar Sánchez Mena by Ricardo Ortega Olmedo is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-CompartirIgual 4.0 Internacional License.
Acento cultural, número 18, enero 2016, ISSN: 2386-7213
[El contenido de esta página web, imágenes y datos, son propiedad de sus autores. Corresponde a ACENTO y a sus autores los derechos de explotación de este contenido registrado bajo nuestra publicación digital con ISSN: 2386-7213. Este material está protegido con la Ley de Propiedad Intelectual y su difusión total o parcial está permitida siempre y cuando se cite el enlace de esta web o la autoría de los creadores. Muchas gracias.]
