Sus acuarelas son ejemplo de reposo y decantación por los años de experimentación artística. Desde la agitación pictórica de su juventud (influenciado por la movida madrileña durante sus años universitarios), su estilo caminó desde el expresionismo hacia una reinvención personal de la abstracción muy potente. Pero, la necesidad de albergar una historia y una mirada personal como trasfondo de cada obra, le condujo hacia la estética del realismo por su vinculación con la realidad, con obras tan misteriosas como silenciosas en sus primeras piezas; hasta alcanzar el momento actual, donde decide incorporar la figura humana. Hay una mirada nostálgica en sus últimas obras, que tiene como protagonista al mundo urbano, consecuencia posible de su retiro tomellosero. Pero ahora necesita de nuevos retos en forma de viajes, que le permitan continuar la íntima introspección a través de su pintura. Mímesis en su pintura, frente a la representación, que está en el marco del trabajo libre sobre la realidad percibida, sin perder elementos que nos dirijan directamente a lo real. Su obra es una ventana al mundo exterior.

Entrevista:

-¿Cómo fueron los inicios en el mundo del arte?

Mis primeros recuerdos son con lápices y pinturas. A pesar de criarme en un pueblo de la Mancha no era el típico niño que salía a jugar a la calle con otros niños, yo me divertía creando de muchas maneras, desde pintar, modelar, o hacer esculturas con alambres en el taller de mi padre. Además escribía historias ilustradas desde los 8 años. Pero lo que más me gustaba era modelar con arcilla o plastilina. También me construía mis propios juguetes. Era un niño muy creativo, mucho más que ahora.

-¿De qué manera han influido los lugares en los que has vivido en tu pintura?

Todos somos producto de nuestras circunstancias personales. Yo he sido un nómada que ha vivido en muchos lugares, he conocido a mucha gente y he vivido muchas experiencias, las cuáles en su mayor parte han sido positivas aunque en su momento no me lo parecieran. Esas experiencias me han influido muchísimo en mi forma de pintar, y sobre todo en mi forma de entender la pintura.

Creo que cada artista debe reflejar en su obra su mundo interior, y en definitiva mi obra es una especie de autobiografía. En mis cuadros intento contar historias, reflejar sentimientos y emociones, y sobre todo en mi obra se pueden ver mis obsesiones: Mi pasión por Nueva York o África, mi amor por las mujeres y la gastronomía, el mar como destino buscado desde el interior, o los árboles como elementos plásticos. Pero sobre todo creo que mi obra refleja esa idea del nómada que busca su sitio en el mundo, desde la vida en las grandes ciudades, y el viaje como motor de las emociones: Las estaciones de autobuses, de tren o de metro.

Toda mi obra está relacionada con mi vida, sin hacer demasiadas concesiones a la obviedad comercial y objetiva, en ese sentido creo que aunque sea un pintor figurativo, e incluso academicista, intento tener mi lenguaje personal.

-¿Cómo definirías Tomelloso en la actualidad?

Realmente lo de Tomelloso es algo inaudito. Yo compararía Tomelloso con la Florencia del siglo XV de los Medici, donde había más de 50 talleres de artistas con sus respectivos discípulos, eso hace que hubiese entonces alrededor de 800 o 1.000 artistas en una ciudad que entonces tenía 80.000 habitantes. No hay censo de los aficionados a la pintura, la música, las letras, el teatro, etcétera, de Tomelloso, pero solamente pintores hay más de 500, y lo más importante, sumando los artistas plásticos «profesionales» que viven en Tomelloso, y los de aquí que viven fuera tendríamos cerca de 50, y cuando digo profesionales quiero decir que se dedican a ello, que viven de ello.

Curiosamente yo que he andado toda mi vida arriba y abajo, teniendo en Tomelloso mi sitio de retiro espiritual efímero, ahora llevo más de 4 años aquí, y de momento me parece el lugar ideal para trabajar y vivir. El ambiente artístico y cultural es muy dinámico y eso ayuda.

Lamentablemente hay dos Tomellosos: Uno el que hablamos, y otro el de la sinrazón y el analfabetismo funcional, que tiene sus valores en la mediocridad que nos imponen los medios, y que en una ciudad como Tomelloso florece al amparo de la propia mediocridad de los gobernantes (lo siento; ya me ha salido la vena reivindicativa), no obstante ese 10/15% de personas interesadas en el mundo de la cultura es bastante importante, más que en otras ciudades de nuestro entorno.

-Respecto a tu estilo, ¿cómo te consideras?

Viendo mi obra está claro que soy un pintor realista contemporáneo que hace pintura con tintes más narrativos que líricos. No puedo huir del realismo, es algo que está en mi ADN, mi gran imaginación de niño siempre me llevaba a crear cosas muy realistas. Durante mucho tiempo pensé que me faltaba imaginación, y sin embargo he dedicado muchos años al diseño de muebles, a crear más allá de las modas, y siempre iba por delante de la industria con mis diseños, por lo que creo que tengo la suficiente imaginación para crear, pero no necesito inventar mundos paralelos ni formas abstractas o de otro tipo, la realidad puede ser igual de creativa. Los artistas debemos ser sobre todo honrados con nosotros mismos, y siempre pongo el ejemplo de Morandi, que durante toda su vida pintó bodegones con botellas porque eso era lo que él buscaba en la pintura, y lo que necesitaba pintar.

-¿Cuál es la obra de la que te sientes más orgulloso o que destacarías en este momento?

Es difícil contestar esta pregunta, siempre hay trabajos de los que te sientes más orgulloso, pero incluso eso va cambiando con el tiempo. Quizá en éste momento podría decir que es una muy sencilla titulada Esperando porque hay mucha historia personal en ella, por el resultado, y porque además va a ser la portada de una novela, se trata de un contraluz de una chica asomando a una puerta, y alude al miedo a tomar decisiones y no arriesgarse, además también escribí un poema corto para acompañar el cuadro. No obstante yo creo más en el conjunto de la obra que en piezas determinadas, y es posible que pasado un mes descubra una nueva obra como preferida.

-La crisis ha afectado negativamente al mundo del arte, ¿cuál es tu punto de vista del presente y del futuro en éste ámbito?

Cuando hablamos de crisis nos referimos a la crisis económica, entonces debemos hablar de crisis del mercado del arte. En este sentido soy muy tajante: La crisis del mercado del arte ha sido provocada por el mismo mercado del arte, de la misma manera que la crisis económica occidental ha sido provocada por los mismos mercados financieros, y hay una relación paralela, ya que durante décadas el mercado del arte ha funcionado como una fórmula de inversión despreocupada por el arte en sí mismo. Se han vendido muchísimas piezas como si se tratara de acciones preferentes o activos tóxicos. Se ofrecían artistas «emergentes» apadrinados por los gurús del arte contemporáneo como un producto de inversión con valor seguro al alza, al final ha resultado ser un fiasco total, y eso ha hecho que en los últimos cinco años hayan cerrado el 80% de las galerías de arte consolidadas.

Otro tema muy distinto es plantearnos si hay crisis creativa. Desde hace casi 100 años hay cierta crisis de ideas, los avances técnicos y las décadas de los -ismos trajeron un mensaje pesimista sobre el futuro del arte. Prácticamente desde la aparición de la fotografía se viene matando a la pintura, y los artistas plásticos nos hemos empeñado en mantenerla viva, sólo que hay que cambiar de esquema mental, no se trata ahora de crear un nuevo movimiento o un nuevo estilo, sino más bien de buscar la autenticidad y la sinceridad de nuestras propuestas.

El presente es bastante caótico, y las posibilidades que tiene un artista para mover su obra son varias, pero al camino para vivir de ello es muy difícil, más que nunca. Internet ofrece un montón de posibilidades, y proliferan las galerías de arte online, pero en realidad estas sólo son visitadas por otros artistas. Abren nuevas galerías de arte pero, excepto raras excepciones, sólo son espacios que se alquilan para que cualquier aficionado con dinero pueda exponer, eso hace que el nivel artístico baje muchísimo y además las galerías no intentan vender ya que su negocio no es ése, por lo que ahí no hay mercado del arte.

Únicamente veo algo positivo en todo esto, y es que ahora pueden destacar los mejores solamente, a pesar de que el mercado del arte contemporáneo ya no existe, sólo los mejores sobrevivirán, o al menos eso espero, lo único que podemos hacer es seguir trabajando, seguir mejorando y no quedarnos quietos, confiar en nuestro trabajo, no desfallecer y, como digo en mi manifiesto personal: «Si nada tiene sentido, lo haremos por amor al arte».

Entrevistador: Ricardo Ortega Olmedo.

Obras:

La ciudad nunca duerme – 1993 – tiza sobre cartulina negra

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Escalera hacia el cielo – 1996 – óleo sobre lienzo

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Piedras – 1997 – óleo sobre lienzo

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Bukowski – 2000 – acuarela sobre papel

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Invierno en New York City – 2010 – acuarela sobre papel

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Saliendo de un café en Manhattan – 2011 – acuarela sobre papel

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Álamos viejos – 2013 – acuarela sobre papel

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De vuelta al pueblo – 2014 – acuarela sobre papel

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Esperando – 2014 – acuarela sobre papel

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Guerreros Massai – 2015 – acuarela sobre papel

Entrevista a Manuel Buendía by Ricardo Ortega Olmedo y Manuel Buendía is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-CompartirIgual 4.0 Internacional License.

Acento cultural, número 7, marzo 2015, ISSN: 2386-7213

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